Feliz Navidad a Todos y Todas

Este año me he estirado y os he hecho una selección de cosillas que me han cautivado.  Mis 5 Temas del año y Mis 5 Discos del año.

No se si alguno todavía espera encontrar en mi blog autores superconocidos,… esta es mi selección para el año y la década. Hay que tener oído de cerdo para asimilar a algunos, pero finalmente estos son los discos mas escuchados y mas edificantes de este tramo de tiempo.

VITALIC – Poison Lips

Quizás por ser e mis últimas cargas esta el primero. Precioso tecno Frances de la mano del productor Pascal Arbez.

Su tema My friend Dario del su LP Ok Cowboy, publicado en 2005 le hizo un tipo conocido, asi como por sus participaciones en vivo junto Miss Kittin y The Hacker . Tiene un estilo muy característico y único en todas sus sesiones y canciones, con influencias del hard-techno, la electrónica de los 80 y el llamado electroclash.

Vitalic Web Oficial. – en la Wiki. – En myspace – En FaceBook – En Twitter

Moderat – Les grandes marches

Este es sin duda mi escucha del año. Ya no el tema en concreto sino el disco y todo lo que de el va saliendo.

Moderat responde a la simple suma de Modeselektor y Apparat. En su debut en largo para Bpitchcontrol, Sebastian Szary, Gernot Bronsert y Sascha Ring cogen lo mejor de cada casa para sacar brillo de sus aparatos analógicos y crear una nueva bomba de relojería armada de electro, IDM, electronica, ganas de pasárselo bien y los visuales de Pfadfinderei.

http://www.myspace.com/moderat

http://www.bpitchcontrol.de/Moderat/

Sigur Ros – Hoppípolla

Sigur Ros (Victory Rose) se formó en 1994 como un trío de adolescentes en Reykjavik. Su demo les permitió fichar con Bad Taste, donde editaron su primer LP en 1997, “Von”, y un LP de remixes “Recycle Bin” al año siguiente. En 1999 reclutaron un nuevo miembro y grabaron “Agaetis Byrjun”. La banda se convirtió en número uno en Islandia y más tarde en RU, apareciendo en giras junto a Godspeed You Black Emperor! y Radiohead en 2000, y finalmente en EE.UU. Tras largas y múltiples giras, editaron su reposado “()” en 2002, y el más duro y notable…. UNOS CABRONES QUE TE CAGAS!!!!!!…. de bueno, claro.

En la: Wikipedia. En: www.ocnos.com o en: www.sigur-ros.co.uk Oficial web Site

Sigur Ros – Hoppipolla
Cargado por Bloodcrowhy. – Videos de música, entrevistas a los artistas, conciertos y más.

Antony and the Johnsons – Kiss My Name

Antony Hagerty nació en Chichester, ciudad de la región de West Sussex en el Reino Unido en el año 1971, y es clavao a Falete. Pero diferente. Yo le conozco, me sigue en el “Tuiter”.

Site oficial de http://antonyandthejohnsons.com -

Royksopp and Fever Ray – This Must Be It

Estos cautivadores Electropoperos, han sacado eun disco “Junior”. Lo más destacable del tema en sí es la colaboración de Fever Ray, o lo que es lo mismo, Karin Dreijer Andersson, mitad del dúo sueco The Knife, a las voces con su magnífico timbre solemne que también ha plasmado en su álbum.

http://royksopp.com/

Lo de la selección de los discos no ha sido fácil,..intentando no repetir autores y temas.

Jeff Mills & Montpelier Philharmonic Orchestra

Es casi hora y media de audio. Solo te pido el primer minuto. Y dime si puedes dejar de oirlo. Este disco me lo prescribio Natxo. Mi buen amigo desgarbado. A Jeff Mills no he conseguido sacarle otro disco que valga la pena. Y no es por que tenga pocos.

Grizzly Bear – Knife

Cualquiera de los discos de Grizzly Bear merecen estar en mi lista del año, pero este me parece el mas redondo. Su último disco me parece incluso mejor, pero es mucho para valorarlo dentro de toda la década.

Web Oficial

Jose Gonzalez – Heartbeats

Esta década ha sido la de los trobadores.La wiki dice: José González nació en Gotemburgo en 1978, de padres argentinos emigrados a Suecia. Aunque González creció escuchando música folk latinoamericana, en especial la música protesta del cantaautor cubano Silvio Rodríguez, la primera banda a la que se unió fue una que tocaba hardcore punk, influenciada por The Misfits, Black Flag y Dead Kennedys.

Este tema fue además el audio del anuncio de Bravia de Sony. Ya una pieza de culto.

Kasper Bjørke: In Gumbo 2007

El nombre de Kasper Bjørke lleva sonando diez años en la escena danesa. Vinculado a sellos como V2, Plant Music o Thugfucker, es uno de los personajes más destacados de la música electrónica en Copenhague, habiendo recibido un Danish Music Award al mejor productor por su trabajo en Filur junto a su colega Tomas Bardfod. Ha remezclado entre otros a The Ting Tings o a Familjen.

Vamos que no los conoce ni cristo, y yo creo que el disco es destacable.

Thomas Feiner & Anywhen: The Opiates

The Opiates – Revised es la forma que ha tenido el sello de David Sylvian para dar una segunda oportunidad a los oyentes de hacer un juicio justo del sobrio e intenso trabajo del cantautor sueco en un marco apropiado para apreciar el talento de su creador.

Increible. Quizás lo mejor después de descubrir hace mas de diez años a David Sylvian . Un Lujo para el oido.

Con la mítica pinta de “gafapasta”.

El pasado Viernes día 4. Mi buen amigo Fran Añón tuvo a bien sacarme de mi espiral de acción e invitarme a ver el concierto de uno de esos freaks que hace años que habitan mi ipod. Gracias Fran. Un Lujo saber que sigues escuchando algunas de mis prescripciones.

En el Teatro Colon de A Coruña, asistimos al concierto del inigualable Michael Paul Hinson nacido el 30 de marzo de 1981 en Memphis, Tennessee. Cantautor y guitarrista indie. Se dio a conocer a finales de 2004 cuando sólo contaba con 23 años con su primer álbum titulado Micah P. Hinson and the Gospel of Progress. El disco obtuvo el beneplácito de la crítica y fue incluido en los primeros puestos de las listas de «los mejores discos del año» por varios medios de comunicación.

Un tipo desgarbado de pantalón culero, Nike en los pies. Con la mítica pinta de “gafapasta”. Acompañado de cuatro perfectos especímenes que parecían salidos de un thriller de Tarantino. (Son “Tachenko”, de Zaragoza – el Grupo que le acompaña en la gira). El tipo apoyandose en la boca con equilibrios sobre el clásico micro cincuentero y que hace muecas modulando la voz. – Sobrao,.. muy sobrado -

Escuchando con cierta distancia podría decir que suena al siempre clásico Johnny Cash. Leonard Cohen tiene mucho que envidar a la versión de “Suzanne” con la que nos golpeo. En mi vuelta a casa he reescuchado los primeros discos de Tom Waits y Nick Cave haciendo los cálculos oportunos para comparar edades.

Mi ingles deja mucho que desear. Pero las letras, que suelen ser autobiográficas y contienen referencias a su precoz y problemática vida personal aportan un tono melancólico/irónico a valorar.

Micah P. Hinson nació en el seno de una estricta familia con férreas convicciones religiosas, en su adolescencia se traslado a la tejana Abilene. En esta ciudad daría sus primeros pasos en la música y viviría una relación sentimental con una ex modelo y viuda del guitarrista de un grupo local llamado Tripping Daisy que era varios años mayor que él. La «viuda negra», como más tarde la calificaría Hinson, le introdujo en el consumo de valium y otras drogas, llegando a pasar una temporada en la cárcel en la primavera de 2000 acusado de falsificar recetas de medicamentos. Hinson declararía recordando esa época: «Terminé por perder mi coche, mi hogar, todo mi dinero, mis instrumentos, mi equipo de grabación, y principalmente, a mi familia entera».

Al salir de la cárcel con 19 años, fue expulsado de su casa por sus padres, viéndose forzado a declararse en bancarrota y a vivir como un vagabundo durmiendo en las casas de sus amigos. Más tarde conseguiría un empleo de telemarketing y se mudaría a un motel, en el que utilizando instrumentos prestados, compuso alrededor de 30 canciones que más tarde incluiría en sus primeros discos.

La discográfica escocesa le ofreció un billete de avión al Reino Unido para la grabación del álbum y tuvo que hacerse cargo de los 600 dólares que Hinson debía por multas de tráfico que le impedían conseguir el pasaporte. Después de ser detenido en el aeropuerto de Londres e interrogado durante varias horas, consiguió una autorización para estar un mes en el país, tras lo que finalmente se dirigió a Manchester para poder registrar el disco en dos semanas en los Airtight Studios con los miembros de The Earlies como productores. El grupo texano también ejerció de banda de acompañamiento bautizándose para la ocasión con el nombre del álbum, «The Gospel of Progress» y añadiendo diversos instrumentos de cuerda, acordeones y teclados para realzar las canciones de Hinson. Después de la grabación del disco y de su primera gira británica de dos semanas, Hinson regresaría a los Estados Unidos donde realizaría otra junto a Calexico.

Su debut cosechó críticas entusiastas y fue incluido en los primeros puestos de las listas de los mejores discos de 2004 en varias publicaciones musicales, siendo frecuentes en ellas las alusiones a su vida privada y al consumo de drogas. A este respecto, Hinson declaró:

«Encuentro extraño que la cantidad de drogas que tomaba durante la grabación y promoción de The Gospel of Progress fuera mucho menor de lo que los chicos y chicas de la prensa estaban pensando y escribiendo. En ese momento yo ya había encontrado la salida a la mayor parte de aquellos vicios. Los consideraba en general muy aburridos y si al final sirven de algo, sólo lo hacen para hacerte a ti y a tu alma estar hartos, de ninguna manera merece la pena el tiempo desperdiciado. Aunque cuando me di cuenta de que había un poco de verdad en esto, los dioses me enviaron un poco de suerte sombría, pero mi vida torció a la izquierda en vez de hacerlo hacia la derecha».

La grabación de su segundo álbum, Micah P. Hinson and the Opera Circuit, se realizó en su casa de Abilene, donde se desplazaron una docena de músicos que se ocuparon de la instrumentación, que volvió a incluir arreglos de cuerda y viento. Uno de ellos fue Eric Bachman, antiguo componente de Crooked Fingers y del grupo de lo fi de los 90 Archers of Loaf. En esta ocasión bautizó a su grupo con el nombre de «The Opera Circuit», tomando el título del disco al igual que hizo en su primer álbum.

A finales de 2006 participaría con la canción I’m Waiting for the Day en el disco de homenaje al álbum Pet Sounds de The Beach Boys titulado Do It Again, tribute to Pet Sounds. El álbum fue publicado por el sello barcelonés Houston Party, responsable de la distribución de los discos del artista en España, y contó con la presencia entre otros de Patrick Wolf, Architecture in Helsinki y The Wedding Present.

Aquí esta el último trabajo de Micah. No es el mejor disco de versiones que he visto, pero si ayuda en gran medida a entender los orígenes musicales de este tipo con pantalón culero y “gafapasta”. Personalisimas versiones que se agradecen, a veces me cansan las simples interpretaciones a las que algunos llaman covers.

Moderat.

La llegada a mi itunes de Moderat paso totalmente inadvertida. Quizás fue el contraste con otras escuchas con las que le toco vivir el momento.

Fue una sensación muy fría al principio. La escucha absorta en el working diario ha ido creando una adicción por el conjunto del disco que definiría como enfermiza. Las sutiles texturas y el grado de detalle deja muy atrás a otras escuchas contemporaneas.

La historia de Moderat se inicia 7 años atrás, en 2002, cuando Sascha Ring (aka Apparat) y Gernot Bronsert & Sebastian Szary (aka Modeselektor) se juntaron para crear «Auf Kosten der Gesundheit» en el sello BPitch Control, que en cristiano vendría a ser algo así como «A costa de la salud». Y tal vez porque precisamente el track en cuestión estuvo a poco de acabar con ellos que han tenido que pasar eso, siete años para que volvieran a juntarse para «continuar» el álbum que iniciaron entonces y que quedó en nada.

El re-encuentro del trío es algo surreal. Cuentan que Szary y Bronsert, ambos orgullosos padres, iban de camino a llevar a sus hijos a las clases semanales de natación al «Stadtbad Mitte» cuando, por casualidades del destino, se cruzaron con Sascha Ring acompañado de no una, sino varias mujeres de moral despistada. Tras un cierto rifi rafe inicial, pero como gentlemen que son, hicieron las paces y decidieron retomar lo que habían dejado años atrás. En definitiva, surreal. Pero lo más importante, Moderat estaba de vuelta.

Comenzaron juntos, se separaron, triunfaron cada uno por su cuenta y ahora vuelven a unirse. Hablo de Sascha Ring (aka Apparat) y de la pareja formada por Gernot Bronsert y Sebastian Szary (aka Modeselektor). Siete años más tarde de lo que fue un EP soberbio (Auf Kosten Der Gesundheit, 2002) Moderat vuelve a ser un proyecto y lo hacen con un debut en largo, Moderat (2009, BPitch Control).

El álbum fue grabado en el mismo estudio donde David Bowie creó su LP Heroes (1977, RCA Records), en los Hansa Studios al suroeste de Berlín y con la ayuda de técnicas analógicas como la consola EMI de 1972, que la restauraron para la ocasión.

Canción por canción, Moderat se establecen como uno de los mejores proyectos de este año.

http://www.apparat.net/v1.0/

http://www.modeselektor.de/

http://www.myspace.com/moderat

http://www.bpitchcontrol.de/Moderat/

Referencias de ambos proyectos por separado

Apparat – Fractales I & II

Modeselektor – The White Flash

John Adams – Nixon in China.

John Coolidge Adams (nacido en Worcester, Massachusetts, el 15 de febrero de 1947) es un compositor y director de orquesta estadounidense, uno de los más conocidos y más a menudo interpretados en su país.

Su creatividad abarca una amplia gama de medios: obras orquestales, ópera, vídeo, película, y danza, así como música electrónica e instrumental. Composiciones suyas como Harmonium, Harmonielehre, Shaker Loops y The Chairman Dances están entre las más conocidas y frecuentemente interpretadas de la música contemporánea estadounidense. En estas obras ha llevado el minimalismo a un terreno nuevo y fresco, caracterizado por las sonoridades luminosas y por un fuerte y dramático acercamiento a las formas musicales.

Andrew Porter escribió en «The New Yorker», Adams es el creador de un «nuevo lenguaje, flexible, capaz de producir obras de gran escala atractivas y formalmente fuertes. La suya es una música (…) maravillosa». El diario Le Monde dice que su música «… da la impresión de una libertad redescubierta, de una puerta abierta que deja entrar el aire fresco en grandes ráfagas».

Su música ha desempeñado un papel decisivo en dar la vuelta a la corriente estética teórica del modernismo europeo y conducir a la música hacia un nuevo lenguaje más expresivo, propio del Nuevo Mundo.

La ópera es de John Adam. Y es una ópera sobre la historia reciente y con una escenografía realista. La música se basa en la repetición de estructuras, minimalista. Y lo descubrí por accidente. Descargando compulsivamente mp3.

Nixon In China (Opera): Act I Scene 1 – News

Nixon In China (Opera): Act I Scene 3

Nixon In China – The People Are The Heroes Now

Nixon In China (Opera): Act II Scene 2a

Nixon In China: Act II Scene 2b – I’m the Wife of Mao Zedong

Nixon In China (Opera): Act 3 [Chairman Dance]

Hercules and Love Affair.

Hercules es la invención del productor de música neoyorquino Andrew Butler y Love Affair es uno de los más ingeniosos y originales procesos de colaboración musicales de los últimos años donde sorprendentes melodías y ritmos tensos, colisionan en paisajes escapistas y emotivas piezas de baile. Hercules and Love Affair es co-producido por Andrew Butler y Tim Goldsworthy de DFA en Plantain Studios entre el bullicio de Brooklyn, Nueva York.

DFA Records con sede en Nueva York, dirigido por dos lumbreras con mucho olfato para esto de la música y los ciclos o modas a los que está sometida. Esa mezcla de instinto comercial y artístico les ha permitido fichar a grupos como The Rapture justo antes de que explotaran a nivel de popularidad, grabar a grupos tan inclasificables y poco vendibles como Black Dice y mantener un hype como el de LCD Soundsystem que, sin haber editado todavía un larga duración, ya son considerados como la salvación del rock.

Sucede de vez en cuando que una canción se apodera de ti o tú de ella desde la primera vez que la escuchas a medias por la radio. Enseguida la consigues y entonces ya no puedes parar, no te la quitas de la cabeza durante unos días en los que no quieres oir otra cosa. Más tarde acabará por todas partes, hasta en tonos, politonos, supertonos e hipermercados y acabarás odiándola, pero no vamos a joderla ahora, cada cosa a su tiempo y ahora toca disfrutarla.

Aire discotequero back to the 70´s apto para todos los públicos, ritmo bailongo, facilón, retro, trompetas que aportan un toque étnico en su justa medida y la increíble voz de Antony Hegarty (el de The Johnsons) al que al fin oímos alegre sin que parezca que se va echar a llorar y ya tenemos Blind el tema más adictivo de lo que llevamos de año. Escúchalo y dime que no lo vas a bailar, pero si ya estás moviendo el pie. Anda, dale al (Repeat).

Hercules and Love Affair es un grupo musical estadounidense de disco y dance punk. La agrupación nació en la ciudad de Nueva York en 2004 como un proyecto del DJ Andy Butler, al cual se integraron Nomi Ruiz, Kim Ann Foxman y Antony Hegarty, este último vocalista principal de Antony & The Johnsons. Después de firmar con la DFA Records, editaron su álbum debút en 2008 titulado Hercules and Love Affair acompañado de su sencillo “Blind.”

Hercules & Love Affair han participado en el festival Sónar 2008, Barcelona. Hegarty participo en cuatro de los diez temas que componen el disco, entre ellos el single de presentación de este trabajo, “Blind”, donde aporta la delicadeza y sensibilidad a las que nos tiene acostumbrados al frente de su banda, pero esta vez mostrando una capacidad desconocida para adaptarse a otros estilos más cercanos a la pista de baile, menos tristones.

Site oficial de http://herculesandloveaffair.com

Site oficial deDFA Records

Arcade Fire, de donde vienen los Monstruos.

El otro día, asistiendo a la sesión de medio día en el cine. Quedé sobrecogido y emocionado. Al ver el Trailer de “Donde Viven los Monstruos” (título original en inglés “Where The Wild Things Are”). Un libro infantil creado por Maurice Sendak nada más y nada menos que por el 1963, siendo condecorado con la Medalla Caldercott en 1964. Y también ganó el Boston Globe-Horn Book Award, fue un libro notable de la ALA (American Library Association, Asociacion de Bibliotecas Americana). A lo que debo expresar mi mas absoluta ignorancia sobre este escrito, pero como algunos ya saben,.. solo leo ensayo y literatura técnica.

Según he averiguado, el libro cuenta la historia de Max, un niño muy inteligente, incomprendido y rebelde, que se escapa de casa tras una fuerte discusión con su madre. Pero no es una huida cualquiera, pues Max se interna en un bosque misterioso creado por su propia imaginación. Su objetivo: llegar a la tierra de las Cosas Salvajes, un lugar donde podrá hacer travesuras para siempre.

Para mi lo verdaderamente impactante, fue oir a “The Arcade Fire” fuera de mi iTunes. Es que tampoco escucho la radio ni veo los canales promocionales de música. Quiero tomar mis propias decisiones auditivas. Así que es probable que tras esto,… los Arcade no sean los mismos en el futuro.

Influenciados por Bowie, Talking Heads, Roxy Music o Flaming Lips. La banda fue creada en Montreal en el año 2003 tras haberse conocido Régine Chassagne y Win Butler un año antes en una exposición de arte, cuando Régine era estudiante de la Universidad de Concordia. La formación actual (Win Butler, Régine Chassagne, Richard Reed Parry, William Butler, Tim Kingsbury, Sarah Neufeld y Jeremy Gara) se consolidó con la grabación de su primer álbum “Funeral”. Título elegido debido a las numerosas muertes de parientes de los miembros del grupo durante la grabación. Estos acontecimientos influyeron en la temática de canciones como «Une année sans lumière» («A Year Without Light»), «In the Backseat» y «Haiti»; esta última está dedicada al país caribeño del que es originaria Régine Chassagne. Por otra parte «Neighborhood #3 (Power Out)» está basada en las experiencias del grupo durante la tormenta de nieve que recorrió América del Norte en 1998.

Firmaron con el sello discográfico Merge Records y previamente a “Funeral” grabaron un EP autoproducido (de nombre Arcade Fire y conocido por sus seguidores como «Us Kids now ») que vendían en sus primeros conciertos. Cuando la banda comenzó a adquirir relevancia, el EP fue remasterizado y puesto a la venta.

“Neon Bible”, su segundo disco, fue grabado en el interior de una iglesia de Montreal. Lo cual le da al disco un sonido mucho más acústico y espectral.

Arcade Fire es conocido por sus cautivadoras presentaciones en vivo, así como por el uso de un gran número de instrumentos musicales. En adición a los tradicionales guitarra, batería y bajo, los miembros tocan el piano, violín, viola, cello, bajo doble, xilófono, teclados, cuerno francés, acordeón, el hurdy gurdy y el arpa. Con variados músicos eximios, la banda lleva su diversidad instrumental en sus tours haciendo que estos mismos miembros vayan cambiando de instrumentos en los shows en vivo.

Consultado a Win Butler acerca del rumor sobre si el origen de la banda se refería a un fuego dentro de un juego de arcade, respondió: “No se trata de un rumor, esta basado en una historia que alguien me contó, no se trata de un hecho real sino que yo lo tomo como si hubiese sido real. Yo diría que es probablemente algo que un chico inventó, pero que yo en ese tiempo creí.” El juego en cuestión estaba ubicado en el centro comercial de Exeter, New Hampshire, donde Butler asistió a la Phillips Exeter Academy.

Hay también que notar el empleo del idioma inglés con algunas frases en francés.. Textos casi metafísicos, como durante los gloriosos años de los Doors, pero nunca abstractos. A menudo, palabras de denuncia, come en Intervention, donde el protagonista es un soldado que reflecciona sobre su situación miserable, o también Antichrist Television Blues, donde la « cible » es la ilusión de la celebridad a toda costa como signo de una revalsa social. El « booklet » merece también un vistazo, pués que traduce en imagenes las emociones producidas por la música. Blanco y negro riguroso donde aparecen algunos personajes fuera del tiempo que parecen muñecas sin articulaciones.

Hace algún tiempo, descubrí este vídeo de todo el grupo metido en un ascensor. Realmente curioso y para mi, un claro ejemplo de su filosofía como banda. Una pieza acústica, donde al margen de las curiosidades del uso de papel rasgado y golpeteos como acompañamiento percusivo, habla de emociones y sentimientos en lo que hacen.

A tener en cuenta las criticas que vierten sobre grupos como U2 o Oasis en MNE “http://www.nme.com/” (Curiosamente dos años mas tarde de haber tocado conjuntamente con U2)

No pretendemos rehuir el éxito, pero al mismo tiempo no queremos que la gente se lo trague. En Reino Unido hay una especie de competición entre las estrellas del rock. [...]

No sé si comenzó U2, o los Stones o Oasis, pero muchas bandas piensan esto: “Voy a ser la banda más grande del mundo. Que les jodan a aquellos que no tengan ambición”. Creo que eso es auténtica basura. [...]

No hay nada menos interesante para mí que un marketing ideado en liarla para forzar a la gente a que le guste. Algunos grupos están manipulando a la gente para que compren su música. ¡Así es como trabaja el 90% de la industria discográfica! Basicamente es lo mismo que vender una puñetera tostadora o un viaje en crucero. [...]

Es un lujo, que los niños disfruten de una escucha tan interesante y curiosa sobre una película que a todas luces iré a ver. Sin duda alguna más que enriquecedora.

Arcade Fire en Merge Records

Web oficial – “Arcade Fire”

Trentemøller – Take Me Into Your Skin

Sonido electro-techno de hechuras minimales editado en el 12” correspondiente al Poker Flat Recordings número 56. Retomando mis mas profundos orígenes en el Ambient he descubierto a este Anders Trentemøller. Que quien me iba a decir que iba a llegar a él buscando nuevos horizontes minimalistas.

El danés, parece ser, fue el hombre de 2005. Su repercusión mediática fue tan grande durante ese año que se hablaba incluso del fenómeno Trentemøller para categorizar lo que por entonces se había puesto de moda.

Empezó editando deep house en Nacked Music pero rápidamente se dio cuenta de que la clave estaba en pinchar en hueso y se lanzó de cabeza a la consecución del hit descarado. Por eso se lo rifan sellos como Audiomatique Recordings -subsello de Poker Flat-, Tic Tac Toe Records de su amigo y compatriota Patrick Bateman y Out Of Orbit Recordings.

El mismisimo David Lynch en persona le pidió que actuase en una especie de directo “live-movie” en las que se mostraban imágenes de películas como El hombre elefante, Blue Velvet o Twin Peaks. La actuación se presentó dentro del marco del festival Netmage07 que se celebró en Bolonia el 7 de enero de 2007.

The Last Resort es el título que le ha puesto Anders Trentemøller a su álbum de debut en el sello Poker Flat. Después de unas cuantas producciones en formato 12” como Physical Fraction (Audiomatique), y una prolífica y larga lista de remixes como el Du What U Du de Yoshimoto, What else is there de Röyksopp o Sodom de Pet Shop Boys.

Según comenta el propio Trentemøller el disco “refleja mi vida, mis pensamientos, mis necesidades, mi inseguridades…”. Ha tenido que buscar huecos en su apretada agenda para hacer este bonito álbum que le ha servido para desconectar de su imparable carrera. El segundo cd del álbum, es una selección de los mejores temas que ha producido en los últimos años para Audiomatique y Poker Flat. Una buena mezcla, la melancolía introspectiva del autor enfrentada a su vena techno minimalista.

Si, podríamos decir que es “chunda chunda”.. pero esta muy bien hecho. Con gusto. Con Sutileza. … Brillante. Limpio, impoluto.
Increíble. Cautivador.

Web Oficial: http://www.anderstrentemoller.com/

Trentemøller en Poker Flat Recordings

Steve Reich – Música para 18 músicos.

Exactamente no se en que momento se instalo en mi itunes, pero ocupa unas cuantas líneas. De todos los minimalistas americanos, Terry Riley, Lamonte Young, Philip Glass o Steve Reich, es este último el más diregible. Su obra tienen la misma carga conceptual e iconoclasta que las de sus colegas. Cuando en Riley o en Young encontramos una tesis estética bien expuesta, en Reich nos sorprende el hallazgo puramente musical. Cuando Glass nos da una postura, Reich nos da una sonoridad. Riley, y sin duda alguna Young, han perdido contacto en el público. Glass se ha asentado en la ópera. Reich, con menos celebridad que éste, se gana la admiración de los músicos y el favor de los que nos gusta la música.

Claro ejemplo de todo ello esta en “Música para 18“, una obra de casi una hora en la que, pasar, no pasa nada, pero en la que, de misteriosas maneras, se suceden infinitos acontecimientos esencialmente musicales. La interpretación del Ensemble Modern es transparente: se oye todo, se comprende todo y se degusta todo. Toca sin director, porque ésta es una obra asamblearia. La idea no es que todos miren a uno sino que se oigan entre sí.

The Guardian ha descrito a Reich como uno de los pocos compositores que -«alteró la dirección de la historia de la música-»; The New York Times lo sitúa -«…entre los más grandes compositores del siglo-»; The New Yorker, habla de él como -«…el más original pensador musical de nuestro tiempo-»; y, The Village VOICE, sencillamente dice que es -«…el más grande compositor americano vivo-».

Es de los pocos músicos que consiguen en mi una sensación de absoluta profundidad en su escucha. Duro en la primera escucha se convierte en un paraíso donde sumergirme en el camino de un sitio a otro.

Formó su propio conjunto en 1966, al principio solo con Art Murphy y Jon Gibson, grupo que poco a poco fue creciendo hasta alcanzar, en 1971, los 12 músicos para interpretar Drumming, momento en el que se llamó «Steve Reich and Musicians». Al principio nadie tenía nada de dinero y los miembros tocaban porque estaban interesados en lo que hacían («confiamos en ti y queremos ver lo que puedes crecer»). Una vez que comenzaron a tener actuaciones, los miembros comenzaron a ser pagados. De forma asombrosa, como recuerda Reich, Russ Hartenberger y Bob Becker, se unieron al grupo en 1971 y todavía ahora forman parte de él, simultaneándolo con su trabajo en el ensemble canadiense Nexo, uno de los mejores grupo de percusión del mundo. «Steve Reich and Musicians» sigue actuando a día de hoy, con una formación flexible que va desde los 2 a los 18 músicos, y ha viajado con frecuencia por todo el mundo, actuando en lugares tan diversos como el Carnegie Hall o el Bottom Line Cabaret.

A finales de los años 1970, Reich publicó un libro, Writings About Music, conteniendo ensayos con su filosofía, estética, y proyectos musicales escritos entre 1963 y 1974. Una colección actualizada, Writings On Music (1965-2000), fue publicada en 2002.

Writings on music, 1965-2000
Escrito por Steve Reich,Paul Hillier

El estilo de composición de Reich ha influido a muchos otros compositores y grupos musicales, entre ellos a Philip Glass (especialmente en sus primeras obras), John Adams, la banda de rock progresivo King Crimson (mis progresivos de cabecera), el guitarrista de New Age Michael Hedges, el músico electrónico y de arte-pop Brian Eno (otra referencia a tener en cuenta), los compositores asociados con el festival Bang on a Can (entre ellos David Lang, Michael Gordon y Julia Wolfe), y el músico de rock indie Sufjan Stevens. La banda canadiense de post-rock Godspeed You! Black Emperor compuso una canción, no comercializada, titulada Steve Reich Su música también ha sido una fuente de inspiración para los músicos de Ambient y Techno. Una línea melódica de su obra de 1987 Electric Counterpoint fue utilizada por The Orb en su Little Fluffy Clouds de 1991. Esta conexión ha sido honrada en un álbum de 1999 por DJs y músicos electrónicos, «Reich Remixed», editado por Nonesuch Records.

Mis cascos inmersivos y el ipod a todo su volumen. Lo suficientemente alto como para usar la vista como sentido secundario. Y dejarme bagar por la ciudad en piloto automático. Nada es lo mismo con esto como banda sonora.

Fuente: www.stevereich.com

David Sylvian – For the love of live

David Sylvian, llamado originalmente David Alan Batt, reconocido músico británico que tiene un amplio repertorio géneros, glam, synthpop, new romantic, new wave, progresivo, experimental, jazz, ambient y al psicodélico similar al de los años sesenta. Él es cantante, guitarrista, teclista y compositor. Se hizo conocido a fines de los años setenta y comienzos de los ochenta con la banda Japan, con la cual empezó a experimentar con la música.

Nació en Beckenham, Kent, Inglaterra el 23 de febrero de 1958. Es el segundo hijo de un obrero constructor y una ama de casa. Un año después nacería su hermano Steve, quien compartiría con él los gustos por la música. Ha alternado su carrera musical en solitario con aproximaciones a la vanguardia, la fotografía o la realización cinematográfica.

En 1969 comenzó a estudiar en la escuela secundaria de Catford (Catford Secondary School), donde conoció a Anthony Michaelides (luego Mick Karn) y Richard Barbieri. Junto al primero, compartían gustos por el glam rock, al extremo de querer aparecer en la escuela con la apariencia de alguno de sus representantes, lo cual llegó a hacer. Tal osadía le granjeo unas collejas de los demás alumnos. En 1974, aún en el colegio, forma, junto con Michaelides y su hermano menor Steve, una banda que haría giras por Londres, para así también ganar dinero.

En 1976, Sylvian y los otros, ya con Barbieri incluido, firma contrato con Hansa Records. Se graban demos, hasta que a finales de 1977, el grupo graba su primer álbum.

Ser un cantautor de vanguardia es contradictorio en si mismo, excepto en el caso de David Sylvian, artista integral y músico de cabecera de miles de seguidores. Fiel a su propuesta de ediciones de alto valor estético, David Sylvian se comprometió, a dar el primer paso en una evolución musical que abandonaba el synth-pop post-glam de Japan y encaminándose a un ambiente poético generosamente texturado. Brilliant Trees (1984), su primer trabajo en solitario, fue una obra redonda e iniciadora de la senda que él buscaba.

Sylvian ha editado trabajos con multitud de artistas entre los que cabe destacar: The First Day (1993) y Damage (2001) con Robert Fripp; Plight & Premonition (1988) y Flux + Mutability (1989) ambos con Holger Czukay y Ember Glance : The Permanence Of Memory (1991) con Russell Mills.

David Sylvian, Steve Jansen, Richard Barbieri y Mick Karn dan vida a Rain Tree Crow a principios de los 90. Ellos, una vez disueltos de la banda Japan. Inicialmente publican el albún en 1991 y relanzado posteriormente para delicia de los seguidores de la carrera prolífica y de gran nivel de Sylvian.

Nine Horses - Otro intenso y minucioso trabajo de Sylvian. Snow Borne Sorrow es el típico disco que jamás sonará en una emisora convencional de radio. Sylvian recomienda escucharlo “sin ninguna otra cosa entre las manos y, a ser posible, en soledad”. Y confiesa que la duración de los temas, en torno a los siete minutos, incrementa el nivel de exigencia para el oyente. “Claro que se pueden expresar ideas en menos tiempo”, exclama, “pero he querido desarrollar todo un modelo de seducción. La música de Nine Horses resulta comprensible, sólo la parte lírica puede resultar más problemática. Las canciones son extensas para que los contenidos vayan filtrándose poco a poco bajo la piel del oyente. Estas composiciones funcionan como píldoras recubiertas de azúcar”.

David Sylvian – Manafon
Samadhisound # sound cd ss016 dx [CD+DVD Deluxe Edition]
www.manafon.com

David Sylvian en continuación con su compromiso con la vanguardia musical, presenta “Manafon”. Consecuencia lógica del camino iniciado con “Blemish” en 2003 y desarrollado desde entonces: una obra intrigante, llena de una musicalidad suprema, y terroríficamente bella. La base para la grabación fue creada en sesiones de improvisación realizadas en London, Viena y Tokyo, bajo la dirección de Sylvian y con los músicos más reconocidos en materia de improvisación e innovación, como Evan Parker, Keith Rowe, Fennesz, Sachiko M y Otomo Yoshihide. Luego, Sylvian utilizó esas grabaciones para sobreponer sus canciones, creando un universo de fuertes emociones y estados de reflexión sobre la fe y los valores de un hombre, en el que su voz termina ocupando el centro del universo sonoro con un carisma, protagonismo y peso nunca antes alcanzados.

Portada de la revista, WIRE de Septiembre de 2009.
Foto de: Donald Milde

Discográfia

(1984) Brilliant Trees
(1985) Alchemy: An Index of Possibilities
(1986) Gone to Earth
(1987) Secrets of the Beehive
(1988) Plight and Premonition – con Holger Czukay
(1989) Flux and Mutability – con Holger Czukay
(1989) Weatherbox
(1991) Ember Glance : The Permanence Of Memory – con Russell Mills
(1991) Rain Tree Crow – con Steve Jansen, Richard Barbieri, & Mick Karn
(1993) The First Day – con Robert Fripp
(1994) Damage: Live – con Robert Fripp – Relanzado en 2001
(1999) Dead Bees on a Cake
(1999) Approaching Silence
(2000) Everything and Nothing
(2002) Camphor
(2003) Blemish
(2005) The Good Son vs. The Only Daughter – Blemish remixes
(2005) Snow Borne Sorrow de Nine Horses – con Steve Jansen & Burnt Friedman
(2007) Money For All de Nine Horses – con Steve Jansen & Burnt Friedman
(2007) When Loud Weather Buffeted Naoshima
(2009) Manafon

David Sylvian – For the Love of Live.

Hablar de MONSTER es hablar, sin duda, de una de las mejores series de anime realizadas en la última década. Es que esta serie de misterio y terror psicológico, basada en el manga de Naoki Urasawa, tiene todo lo necesario para convertirse en un clásico del anime. Pero lo mejor, sin duda es oir a David en este tema final.

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Sigur Ros – Hogar

A veces nos encontramos con individuos que se creen su historia, que se creen lo que hacen. Y que actúan en consecuencia. La mayor parte de las veces, y pensando en esta reflexión,.. se me vienen a la cabeza aquellos colegas de la adolescencia que ahora navegando en la treintena siguen con tupé y boogies en los pies. La verdad es que al verles, me despiertan un poco de envidia por que siguen viviendo una adolescencia que a mi, personalmente se me va olvidando. O voy dejando de tener clara en el recuerdo.

En el lado opuesto a este, están los que no se creen su historia, o su situación. Y que se comportan o interactuan en su vida como meros actores.

En mi continua búsqueda de saciado de mis necesidades auditivas, hace ya unos años descubrí a Sigur Rós. A los que definí en su día como “grandisimos hijos de puta”. Definición que mantengo. – (nota: llamar hijo de puta no esta relacionado con la madre de nadie, sino con el suficiente aprecio mutuo entre las partes como para perdonar las mas altas faltas de respeto y regocijarse en ello. )

Después de la gira mundial para promocionar Takk…, el cuarteto Sigur Rós realizó una mini-gira final en la que recorrieron su Islandia natal ofreciendo conciertos gratuitos, sin importar si las presentaciones eran sólo para un puñado de pescadores de la localidad o bien para cientos de fans.

De todo esto, se extracta Heima. Un documental que es una pieza en si misma. Infragmentable e indivisible. Heima es una preciosa selección de imágenes, realizada con un exquisito gusto en la que se pone de manifiesto la relación que existe entre esa tierra de hielo y lava que es Islandia y la música de Sigur Rós

Imágenes simples y cotidianas, cristalizando el detalle, el momento, los instantes. Y solo posible por la mirada de alguien que ama su tierra y su origen.

Me resultan familiares muchas de las imágenes y caras. y no por ser Islandes, sino por la proximidad con mi tierra gallega. Y despiertan en mi una envidia sana de ¿por que no tendré una postal de mi hogar como esta?. Quizás no amo tanto mi tierra, como para ser capaz de pintarla así.

El primer DVD editado por Sigur Rós recoge la gira realizada por quince localidades de Islandia durante el verano de 2006, incluyendo también algunas actuaciones posteriores. Se trataba en su mayoría de conciertos sorpresa, únicamente para los habitantes de cada localidad. Los escenarios varían desde grandes superficies al aire libre hasta iglesias recogidas; entre los conciertos se encuentra el de Reykiavik, el más multitudinario de su carrera y, quizá, de la historia de Islandia.

Heima significa “en casa” en islandés, y pretende ser más que un DVD de música en directo, capturando parte de la esencia y de la vida en Islandia. El director, el canadiense Dean Deblois, es un gran fan del grupo y hasta ahora ha trabajado en películas animadas de Disney, dirigiendo Lilo & Stitch.

Fuente: www.ocnos.com

Sigur Rós es un grupo islandés de post-rock, con elementos de shoegazing y minimalismo. El nombre es islandés; se pronuncia ['s????r rou?s] y significa “rosa de victoria”.

Sigur Rós estaba compuesto originalmente por Jón Þór Birgisson (Jónsi, guitarra y voz), Georg Hólm (Goggi, bajo) y Ágúst Ævar Gunnarsson (batería). Posteriormente, en 1999 ingresó a la banda Kjartan Sveinsson (Kjarri, teclado) para la grabación de Ágætis byrjun tras la cual Ágúst Ævar Gunnarsson abandonó el grupo siendo reemplazado por Orri Páll Dýrason (batería).

Sigur Rós ha vendido cerca de dos millones de álbumes alrededor del mundo.

“Heima” está grabada en alta definición y mezclada en Dolby 5.1. Todo el sonido que se esucha se grabó en directo, sin ninguna adición posterior. La grabación se realizó íntegramente en Islandia, pasando luego por Londres y Los Ángeles para la producción de sonido. Como ingenieros de sonido participaron Birgir Jon Birgisson, que trabaja en el estudio del grupo en Álafoss, y Ken Thomas, productor habitual del grupo.

Heima se editó el 6 de noviembre, el mismo día que su disco relacionado, Hvarf-Heim, como un doble DVD. El primer DVD incluye la película en 5.1 y estéreo. El segundo contiene las grabaciones completas de cada uno de los fragmentos de canciones que aparecen en la película, así como cuatro extras: “Páll from húsafell” (Sigur Rós improvisan una canción en una cueva), “Memories of melodies” (los miembros del grupo visitan el Memories of Melodies Pop Museum en Bíldudalur), “Thorrablót” (Sigur Rós asisten a una fiesta tradicional islandesa en Kirkjubæjarklaustur) y por último una entrevista con el productor sobre la gira de Islandia, incluyendo además fotos exclusivas de la misma.

Existe también una edición especial del DVD, que incluye también los dos discos pero añade un libro de 104 páginas con fotografías tomadas durante la grabación.

Hay escenas donde tocan absortos en un trance, donde no me queda nada claro si se creen su historia o si simplemente lo hacen por propio regocijo,…

Os dejo aqui pegado el Trailer del docu. A gente como esta, se le compran los discos, los singles, los Dvds y lo que sea por que sigan haciendo estas cosas.

Discografía

Álbumes

* Von, 1997
* Von brigði, 1998
* Ágætis byrjun, 1999
* ( ), 2002
* Takk…, 2005
* Með suð í eyrum við spilum endalaust, 2008

Sencillos

* Svefn-g-englar, 1999
* Ný batterí, 2000
* Steindór Andersen / Rímur EP, 2001
* The Nothing Song Njosnavelin 2001
* Untitled #1 (A.K.A. Vaka), 2003
* Ba Ba/Ti Ki/Di Do, 2004
* Glósóli, 2005
* Sæglópur, 2005
* Sæglópur(Japan Tour CD), 2005
* Hoppípolla, 2005
* Hljómalind, 2007
* Gobbledigook, 2008

Otros

* Smekkleysa í hálfa öld, 1994
* Popp í Reykjavík (álbum), 1998
* Popp í Reykjavík (película), 1998
* Englar alheimsins (álbum), 2000
* Englar alheimsins (película), 2002
* Hlemmur (banda sonora) 2002
* Hvarf-Heim, 2007

Colaboraciones

* Vanilla Sky, 2001
* The Loss Ness Kelpie, 2002.
* Hrafnagaldur óðin´s (Odin´s Raven Magic), 2002
* 3ra Temporada de Queer As Folk (untlited IV), 2003
* The Album Leaf: In a Safe Place, 2004
* Síðasti Bærinn, 2004
* Immortel (ad vitam), 2004
* The life aquatic with Steve Zissou, 2004
* Ben X, 2007

Fuente: Wikipedia
Fuente: www.ocnos.com
Fuente: www.sigur-ros.co.uk Oficial web Site